A próxima exposição
Como o Oriente conheceu o Ocidente na fotografia é revelado em uma próxima exposição no Museu Nacional Japonês Americano (JANM). Making Waves: Japanese American Photography, 1920–1940 estará em exibição de 28 de fevereiro a 26 de junho de 2016. A exposição contém 103 gravuras que incluem natureza morta, paisagem, retratos, além de abstrações mais experimentais. As imagens foram obtidas junto às famílias dos fotógrafos, coleções particulares e instituições públicas. Muitas das fotografias aparecem em público pela primeira vez. Em exibição estarão uma variedade de publicações que incluíram algumas das fotos expostas ao longo dos anos. Os visitantes verão as câmeras que pertenceram e foram utilizadas por três dos fotógrafos e um troféu conquistado por um dos demais. Os vídeos contarão com entrevistas com os filhos de alguns dos fotógrafos expostos e imagens de seus familiares.
Já se passaram 30 anos desde a primeira exposição abrangente de fotografia nipo-americana. Dennis Reed, professor emérito de arte no Los Angeles Valley College, foi curador da mostra original, bem como da exposição atual do JANM. O professor Reed gostaria que esta exposição eventualmente viajasse por todo o país. Ele dedicou 35 anos à fotografia nipo-americana e espera que seu pequeno círculo íntimo de colegas continue a se expandir.
O público é incentivado a ver esta exposição e a usar este artigo como guia. Para aqueles que não conseguem marcar uma visita, este artigo fornece algumas orientações para o estudo em casa .
Design Espiritual nas Artes Decorativas e Belas Artes
Em 1853, o comandante naval dos EUA, Matthew Perry, restabeleceu o comércio e o discurso entre o Japão e o mundo exterior após dois séculos de sakoku do Japão, ou um período de isolamento nacional. De repente, os ocidentais descobriram novamente as artes e ofícios japoneses, que consideraram atraentes em muitos aspectos.
A arte decorativa, composta por objetos funcionais do cotidiano, produzidos com uma variedade de materiais como cerâmica, laca e têxteis, muitas vezes mostrava o mesmo nível de domínio e diligência que as artes plásticas, como pintura e escultura. Normalmente, os artistas japoneses não procuravam copiar o mundo físico com a mesma precisão que os ocidentais. Em vez disso, os artistas japoneses cristalizaram, mais profundamente, um grande projeto subjacente ao que consideravam aparências externas superficiais.
Mais tarde, quando os pintores impressionistas europeus começaram, na década de 1870, a captar as mudanças na iluminação, momento a momento, os pintores japoneses continuaram a sua própria tradição de representar padrões mais permanentes, como a mudança cíclica que é perceptível nas estações do ano e nas fases mensais da lua. Tais motivos foram encontrados, por exemplo, em pergaminhos e telas japonesas. A cada passagem havia tristeza, o que os japoneses chamavam de “o pathos das coisas”. Mas foi equilibrado com a expectativa de retorno e renovação, como quando as cerejeiras reaparecem a cada primavera. Foi um contraste refrescante com as flores murchas e os crânios comuns nas pinturas ocidentais de naturezas mortas que significavam uma beleza fugaz, levando inexoravelmente à morte, uma mensagem estridente de que toda vaidade é loucura.
A perspectiva japonesa conferia imortalidade a tudo — animado e inanimado. Nada era insignificante. Da mesma forma, nada dominou. Os seres humanos estavam conectados a todo o resto. Na arte japonesa, os humanos recebem o nosso lugar modesto e legítimo no universo. Os rostos humanos tendem a não ser altamente individualizados. Os torsos humanos são moldados e posicionados para se integrarem a um design geral, ao esquema das coisas.
A beleza natural, nas suas formas mais simples, manifesta uma ordem ao universo, que os artistas japoneses captam delicadamente, muitas vezes através da abstração, seja uma xilogravura, um verso de haiku, uma cerimónia do chá ou um arranjo floral (Dennis Reed, 1988) . Esta fidelidade japonesa ao design tornou as suas artes e ofícios decorativos aos olhos dos ocidentais, quer a dimensão espiritual fosse reconhecida ou não. De particular interesse para os pintores ocidentais eram as xilogravuras japonesas, ou ukiyo-e . Normalmente, as estampas tinham cores vivas e formas geométricas amplas.
Um aspecto mais profundo foi o impressionante espaço negativo que normalmente aparece como um vazio entre objetos físicos. Está em conformidade com a noção japonesa de um vácuo que não pode durar, tal como uma promessa que não pode permanecer por cumprir. Uma reverência tradicional japonesa faz uma pausa pouco antes de o tronco retornar à posição ereta, para acentuar a demonstração de respeito. Com interrupções silenciosas, as artes cênicas e as cerimônias proporcionam momentos de reflexão, uma limpeza da mente antes de convocar a energia criativa necessária para lidar com a tensão dramática. Na arte decorativa japonesa, a vida não precisa ser retratada explicitamente. Detalhes incidentais, como textura e sombreamento de objetos, costumam ser omitidos. Mesmo objetos inteiros – ou apenas partes deles – podem ser omitidos.
Mais importante que os detalhes é a harmonia e o equilíbrio da natureza, que se reflete na arte decorativa japonesa ao conectar elementos. Por exemplo, o primeiro plano e o fundo podem ser aproximados achatando a imagem através de uma redução ou omissão da perspectiva linear. Os pintores ocidentais ficaram tão fascinados pela arte japonesa que pegaram emprestados elementos decorativos. A influência também fluiu na direção oposta.
Fotografia imitando arte
O intercâmbio cultural que enriqueceu a pintura aconteceu também na fotografia. Esta história não é familiar para a maioria dos leigos, que tendem a considerar a fotografia intrinsecamente realista, sempre esperando que a fotografia reproduza o mundo visual em todos os detalhes, ao mesmo tempo que não conseguem ver o potencial poético e decorativo da fotografia. A maioria das pessoas não percebe que os fotógrafos nipo-americanos ( Nikkei ) e até mesmo alguns de seus colegas brancos nos EUA e no exterior (incluindo alguns foto-secessionistas proeminentes como Edward Steichen, George Seeley e Clarence White) abandonaram o realismo completo e adotaram uma abordagem mais pictórica, até mesmo pictórica, mais alinhada com a tradição japonesa. O pictorialismo apresentava com destaque um foco suave e sonhador, criado com lentes adequadamente projetadas e processos de impressão elaborados.
Assim como a pintura decorativa, a fotografia pictórica parecia organizada. Uma imagem inteira pode até incluir apenas um objeto geometricamente interessante. Muitas vezes uma cena era reduzida ao essencial. Parte de um objeto pode sugerir o todo. Um espectador poderia ser atraído para o push-pull entre os objetos e ignorar qualquer assimetria de composição.
A fotografia pictórica dos nipo-americanos reduziu ou eliminou a perspectiva linear apontando a câmera para baixo ou, ainda mais drasticamente, limitando o campo a um cenário que era uma superfície plana como uma parede. Se desejar alguma profundidade, o fotógrafo pode recorrer à perspectiva aérea, que consiste em formas sobrepostas, muitas vezes colinas e montanhas, que se tornam mais claras à medida que recuam no espaço.
Elementos de design adicionais aparecem em uma fotografia específica do Monte Rainier nos arredores de Seattle, que lembra pinturas japonesas do icônico Monte Fuji de seu país. A cena é intitulada, A montanha que era Deus , fotografada por Iwao Matsushita. A crista pontiaguda de um pinheiro solitário, misticamente destacada como uma silhueta em primeiro plano, dirige a nossa atenção para um pico iluminado pelo sol ao fundo. A árvore é mais do que apenas um sotaque que se destaca pela assimetria. Elevando-se acima da névoa abundante da fotografia, característica do noroeste do Pacífico e das florestas japonesas, a coroa radiante do Monte Rainier é paradisíaca. Grandes sombras ousadas que contrastam dramaticamente com a luz são muito mais do que apenas espaços negativos decorativos.
Coleção da família Uyeda.
O desenho ordenado do universo, que era parte integrante da perspectiva japonesa, estendeu-se também a cenas menos idílicas, como é evidente em algumas fotografias Nikkei. Numa fotografia, uma pequena mancha escura, quase irreconhecível como uma pessoa, dá um pequeno toque humano a uma composição fria e geométrica, esta intitulada O Pensador. O fotógrafo Hiromu Kira escolheu como tema a represa de Hollywood com suas saliências curvas e paralelas. Ou considere uma fotografia intitulada Reflexões sobre a vala de petróleo, de Shigemi Uyeda. Novamente, prevalecem formas geométricas simples. Uma breve chuva deixou manchas de água perfeitamente circulares, parecendo nenúfares, flutuando estranhamente sobre óleo que endureceu com o tempo frio. Desta vez, nenhuma figura humana está presente para cruzar o padrão tranquilo, mas o reflexo escuro de uma torre de petróleo descentralizada ao fundo o faz. A cena fica a cerca de 24 quilômetros de Little Tokyo, em Los Angeles. Numa apresentação ainda mais ousada, Hiromu Kira faz desaparecer frascos de vidro girando-os em determinadas direções, deixando apenas bordas luminosas que formam curvas fantasmagóricas que parecem flutuar (título: Curvas ).
Coleção do Museu de Arte do Condado de Los Angeles.
Os fotógrafos japoneses adotaram alguns métodos europeus não convencionais. O Ashiya Camera Club, perto de Kobe, no Japão, utilizou processos modernos sem câmara desenvolvidos pelos europeus, tais como fotogramas (por exemplo, apenas papel sensível à luz) e montagens (a sobreposição de imagens fotografadas). Os fotógrafos japoneses até abraçaram o surrealismo, produzido por técnicas experimentais como exposição prolongada, dupla exposição e colocação de objetos de opacidade variada no filme negativo enquanto este toca o papel de impressão durante a exposição à luz. Os nipo-americanos estavam geralmente menos dispostos do que os próprios japoneses a se desviarem tanto da tradição pictórica.
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Fazendo ondas: fotografia nipo-americana, 1920–1940
Museu Nacional Nipo-Americano
28 de fevereiro a 26 de junho de 2016
Making Waves: Japanese American Photography, 1920–1940 é um exame aprofundado das contribuições dos nipo-americanos para a fotografia, particularmente a fotografia modernista, grande parte da qual foi perdida como resultado do encarceramento em massa de nipo-americanos durante a Segunda Guerra Mundial. A exposição, com curadoria do historiador e educador da fotografia Dennis Reed, apresenta 103 obras sobreviventes desse período, juntamente com artefatos e coisas efêmeras que ajudam a dar vida à época.
© 2016 Edward Richstone
