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Alcançando Tad Nakamura

O cineasta Tad Nakamura

Tive a oportunidade de sentar e conversar com o cineasta Tad Nakamura sobre seu mais novo documentário Mele Murals e sua estreia em Los Angeles, co-apresentado pelo Centro Cultural e Comunitário Nipo-Americano e Comunicações Visuais no Teatro Aratani em 5 de agosto de 2016.

* * * * *

Alison De La Cruz (AD): Você pode me dizer qual foi a maior surpresa ou momento de aprendizado para você no documentário Mele Murals ?

Tad Nakamura (TN): Claro. Este projeto foi a primeira vez que realmente trabalhei com pessoas do movimento atual para reviver a língua e a cultura havaianas. Como estudante de Estudos Asiático-Americanos, e mais tarde como parte de uma comunidade asiático-americana progressista mais ampla, tudo o que você realmente ouve sobre o Havaí é que há uma luta contínua pela soberania e é isso. Trabalhando com a ʻŌiwi TV e outros artistas havaianos, nunca ouvi a palavra soberania, mas em vez disso vi como estes trabalhadores culturais estavam sempre a falar sobre o movimento linguístico como uma ferramenta para ligar os havaianos uns aos outros. Vi como o conceito por trás da organização cultural era construir a comunidade de uma forma que afirmava: vamos cuidar de nós mesmos e nos construir.


AD: Isso é muito interessante porque muitos que viram o seu trabalho anterior ou o conhecem podem vê-lo como um artista politizado ou um trabalhador cultural. Este projeto mudou a sua compreensão de quem você é como artista que documenta indivíduos e comunidades?

TN: Não creio que isso tenha necessariamente mudado a minha compreensão, mas aprofundou a minha compreensão das pessoas nos movimentos culturais. Você sabe, a palavra sexy para descrever o que fazemos é trabalhador cultural e acho que é aí que nos sentamos. Sempre me identifiquei como um construtor de comunidades e em determinado momento fui um organizador, mas ultimamente tenho sido mais um artista. Este projeto solidificou o que um trabalhador cultural é para mim e o papel que os trabalhadores culturais desempenham nos movimentos mais amplos pela mudança. Sempre me vi como um construtor de comunidades. É por isso que as exibições são tão importantes quanto o filme. As exibições reúnem pessoas de diferentes comunidades e criam um tempo e espaço para poderem se conhecer. Claro que é bom construir espaço político e cultural junto com as pessoas quando estamos chateados e queremos mudanças. Mas ao fazer este documentário, lembrei-me de que também podemos nos conectar enquanto estamos saindo e nos divertindo, como uma forma de construir espaço uns com os outros.


AD: Vendo esse trabalho cultural entre os nativos havaianos, isso impactou a forma como você pensa sobre a comunidade nipo-americana?

TD: Sempre pensei na minha comunidade JA e na ameaça e no que está acontecendo com Little Tokyo. Depois fui ao Havaí e conheci os caras da 'Oiwi TV e vi como eles colocam seu trabalho em um contexto cultural mais amplo: eles são responsáveis ​​por documentar toda a cultura de seu povo. Eles se consideram responsáveis ​​pela manutenção de uma língua; e não apenas proteger um bairro como Little Tokyo; mas a própria terra e todo o seu povo. Isso me surpreendeu - eu sabia o que era ser responsável perante uma comunidade - mas aqui está em uma escala muito maior. Ser responsável por ajudar a reter as histórias de todo um povo e de toda a cultura de um povo para que sobreviva, isso é enorme. Mais uma vez, fiquei impressionado com o quão imediata era a ameaça da possibilidade de a cultura e a língua havaianas desaparecerem. Mas vi quão próximos estes artistas estão desse passado e quão vital é o seu papel no futuro.

Como cineasta nipo-americano no contexto do Havaí, eu definitivamente tive que pensar sobre o tipo de responsabilidade que tenho de reconhecer meu privilégio e apoiar aqueles que foram oprimidos ou silenciados. Trabalhando neste documentário, também percebi que a comunidade JA pode aprender muito sobre o renascimento linguístico e cultural dos havaianos. Por exemplo – para mim, como Yonsei: meus avós foram colocados em um acampamento para não falar japonês, nem meus pais. É fácil dizer que não cresci com o idioma, sou da 4ª geração, não tenho como aprender o idioma.

Então conheci todas essas pessoas que trabalham na comunidade havaiana – nenhum de seus pais fala a língua – eles estão literalmente há 2 ou 3 gerações sem língua e, ainda assim, as pessoas estão assumindo a responsabilidade de trazer essa língua de volta. Eu nunca tinha pensado nisso ou visto – uma língua que estava quase enterrada e morta – e agora vejo-a revivida. Ver crianças do ensino fundamental falando havaiano me fez pensar em minha sobrinha, sobrinho e filho e em como talvez um dia eles pudessem ser fluentes em japonês. Agora que testemunhei isso em outra comunidade, posso visualizá-lo em minha própria comunidade.

AD: Passamos algum tempo conversando sobre como seu filme Mele Murals conectou você ao contexto cultural nativo havaiano. O que adoro no filme é que acompanhando os artistas Estria (foto à direita) e Prime (foto abaixo) podemos ver como o hip-hop fala com eles e através deles. Você pode falar sobre alguma descoberta que fez nas interações entre as culturas havaiana e hip-hop durante este projeto?

TN: A interação mais interessante é que o elemento hip-hop do filme leva as pessoas para o teatro, então é como se agora tivéssemos sua atenção – vamos nos aprofundar. Não tenho certeza de quantas pessoas considerarão esse filme hip-hop. Estou curioso para descobrir o que vai repercutir nas pessoas. À medida que avançamos por todo o país, estou começando a notar que o filme definitivamente ressoa com uma geração mais velha de escritores e escritores de hip-hop. Não tenho certeza se o filme tem aquela cultura ou vibração “foda-se” que os escritores mais jovens tendem a ter.

AD: Eu sei que alguns de seus filmes anteriores também são influenciados pelo hip-hop. Você pode me dizer mais sobre isso?

TN: Para mim, como alguém que cresceu como parte da geração hip-hop, é quase algo que considero garantido. Isso mostra o impacto que o hip-hop teve sobre mim. Cabe debater quanto poder o hip-hop tem sobre a geração atual – mas nossa geração foi/é definitivamente impactada. O hip-hop foi a minha entrada nas artes e no mundo criativo – mesmo sendo filho de um cineasta – criar arte não teria sido tão atraente se eu não tivesse sido exposto ao hip-hop.


AD: Acho que a nossa geração tem muito a dizer sobre como o hip-hop mudou desde que éramos crianças.

TN: Por mais que o hip-hop tenha sido comercializado, ainda há muito potencial na sua base (libertação, resistência e cultura jovem) – esses sempre estarão lá. Mesmo que seja desbotado no hip-hop convencional, essas crianças havaianas pintando uma parede com spray (mesmo que seja da velha escola) é um tipo específico de empoderamento que é estritamente hip-hop. É esse gosto de libertação não só contra sistemas e estados, mas também contra os seus pais e os seus professores. É um movimento juvenil. O hip-hop ainda possui esses elementos fundamentais.


AD: Falamos anteriormente sobre as maneiras pelas quais você, como nipo-americano, está navegando em seu lugar dentro de um contexto nativo havaiano. Quando penso nas conversas que você e eu tivemos sobre isso, isso se relaciona com conversas que nós, como ásio-americanos e habitantes das ilhas do Pacífico, podemos ter sobre nossas relações com a cultura hip-hop. Estamos nos apropriando? Inovando? Participando da cultura hip-hop e suas raízes?

TN: Para mim, meus modelos de ativismo e empoderamento americanos estão enraizados na cultura afro-americana e negra. Os movimentos de libertação têm acontecido em todo o mundo há muito tempo, mas os métodos de organização e de trabalho cultural que me moldaram pessoalmente vêm do movimento black power. Se algumas pessoas considerarem essa apropriação, então não tenho nenhum problema em confessar isso e estou aberto a ser verificado. Estou definitivamente interessado em descobrir como fazer com que todo o meu trabalho baseado no hip hop seja mais participação do que apropriação. Assim como o Jazz – é preciso pagar dívidas à cultura negra e à música negra – ele ainda me inspira e escolhi fazer parte disso e contribuir.

Um dos temas deste filme são novas maneiras de ensinar o antigo. Acho que oferece a todos os públicos maneiras de considerar: Que aspectos de nossas culturas ou de nós mesmos precisamos manter? Que aspectos estamos dispostos a mudar? Nossa luta é com a forma ou com o propósito?

Não é uma coisa ou outra – o objetivo é encontrar novas maneiras de dar continuidade ao tradicional. Acho que cabe às pessoas DENTRO de suas diferentes culturas descobrir o que precisa evoluir, se é que alguma coisa precisa evoluir.

*Este artigo foi publicado originalmente pelo Centro Cultural e Comunitário Nipo-Americano em 29 de julho e 4 de agosto de 2016.

© 2016 Alison De La Cruz

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About the Author

Alison M. De La Cruz é uma artista teatral multidisciplinar, facilitadora, produtora e criadora de espaços culturais que mora em Los Angeles, CA. O trabalho performático original de De La Cruz foi apresentado em locais de todo o país, incluindo: Highways Performance Space em Santa Monica, CA; Iniciativa de Artes Asiáticas na Filadélfia, PA e no Smithsonian American History Museum em Washington, DC. Seu trabalho escrito foi incluído em antologias como: Completely Mixed Up: Mixed Heritage Asian North American Writing and Arts (Rabbit Fool Press 2015); Voltando para casa, para uma paisagem (Calyx Books, 2003) e Em nosso sangue: Filipina/o Spoken Word and Poetry From Los Angeles (LA ENKANTO Collective, 2000). De La Cruz é Diretora de Artes Cênicas e Envolvimento Comunitário do Centro Cultural e Comunitário Nipo-Americano.

Atualizado em setembro de 2016

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