Hileras de grullas de origami, círculos de linternas de los deseos, maneki nekos y figuras de daruma: durante décadas he visto crecer a mi hermana Teruko como artista. Recuerdo los bocetos a lápiz y los dibujos al carboncillo de Teruko que nuestra madre enmarcó en el pasillo de la primera exposición individual de Teruko en Sacramento ante instalaciones de arte público en Texas, México y la ciudad de Nueva York. Aunque soy cuatro años mayor, siempre me ha asombrado como artista. Asume riesgos y enfrenta temas difíciles, experimenta con múltiples medios, dedica semanas de energía a una sola tarea repetitiva y pone mimo en cada uno de los cientos de objetos hechos a mano que son un sello distintivo de su trabajo.
Ahora vive cerca de nuestra familia en Tacoma y hemos comenzado a colaborar en proyectos como “Care Is Free” para el Mes de las Artes de Tacoma. Estoy emocionado de pensar en más colaboraciones en nuestro futuro. Quería preguntar un poco más sobre algunos de los temas y corrientes de su trabajo, y saber más sobre hacia dónde se dirige su arte a continuación.
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Tamiko: ¿Puedes describir tus primeros recuerdos de hacer arte?
Teruko: La mayoría de mis primeros recuerdos sobre la creación artística tienen que ver con nuestra familia y su apoyo. Mi primer recuerdo vívido fue una exploración libre de la creación de marcas. No estoy segura de cuántos años tenía, pero probablemente 3 o 4. Tuve la suerte de quedarme sola con un paquete completo de marcadores nuevos y decidí probar cada color en mi cuerpo. Brazos, piernas, barriga, cara: ¡cubiertos de tinta! Creo que disfruté la sensación táctil de dibujar sobre mi propia piel. Cuando estuve satisfecho, salí a la sala donde estaban sentados mamá y papá y me presenté triunfalmente. En lugar de regañarme por mis acciones, simplemente se echaron a reír.
Mi otro fuerte recuerdo de la práctica de la creación artística tiene que ver con la “bolsa de estoy aburrido” que me hiciste. Cuando era niño, a menudo me sentía inquieto y siempre hacía anuncios de cómo me sentía; a menudo decía: "Estoy aburrido". Así que para ayudarme a sobrellevar eso, y tal vez para callarme un poco, me hiciste empacar una bolsa de “Estoy aburrido” que, entre otras cosas, siempre incluía marcadores y papel.
Tamiko: ¡Hurra por las bolsas “Estoy aburrida”!, que todavía hago que mis hijos hagan cuando viajamos por carretera. Ha trabajado con diferentes elementos y temas de nuestra historia, cultura y herencia japonesa-estadounidense compartida en su obra de arte. El origami es un elemento destacado de tu trabajo, e incluye grullas, flores y globos. ¿Cómo crees que ha evolucionado eso a lo largo de tu carrera artística?
Teruko: Cuando comencé a usar objetos de origami como elemento escultórico, fue una forma de comenzar a hacer algo que me pareciera personal y familiar. Fue una actividad reconfortante que me conectó con mi familia y mi cultura, y algo que podía hacer y que era diferente a la mayoría de mis compañeros. También fue un punto de partida para hacer un objeto tridimensional y algo que requería una inversión para aprender técnica y habilidad. Tenía esta capa de significado que quería incluir y utilizar para crear forma.
A medida que he seguido desarrollándome como artista, el uso de símbolos e imágenes de JA se ha convertido más en un acto intencional. Los uso casi como una forma de invitar a la gente a conocer su historia y sus orígenes. Por ejemplo, 1800 lucky cats o Care is Free y mi próxima instalación de Daruma en Austin: el significado de maneki neko o daruma está envuelto en el significado general de la obra.
Para disfrutar al máximo de la obra hay que descubrir ese detalle de fondo que deja más claras mis intenciones. Creo que mi estética también está muy influenciada por el hogar de nuestra infancia y los hogares de nuestra familia extendida, quienes tenían estas colecciones de artefactos culturales: figuritas, abanicos, muñecas, hermosos platos, etc. Así que también lo son mis asociaciones sentimentales y mi reverencia por nuestra historia. .
Tamiko: Los lectores de Discover Nikkei también estarán interesados en conocer el impacto de la historia japonesa de nuestra familia, con sede en Hiroshima. ¿Puedes hablar sobre cómo eso ha impactado tu trabajo a través de diferentes fases y piezas?
Teruko: Ir a visitar a nuestra familia en Hiroshima cuando tenía 5 años tuvo un gran impacto en mí. Es gracioso porque siento que permanece ahí en mi mente inconsciente todo el tiempo. Destellos de color, olores, sensaciones que flotan en mi memoria. Es una experiencia temprana que está muy profunda en mi comprensión del mundo. No solo fue este tipo de último evento importante que hicimos como familia antes de que muriera papá, sino que la visita real al Parque de la Paz fue una gran revelación. Fue la primera vez que me di cuenta de que un niño podía morir.
El monumento a Sadako fue una especie de punto de entrada al arte público y al poder de los monumentos. También fue mi primera mirada a cómo el arte podría ser un punto focal para la comunidad y la participación (ofertas de grúas). El horror de lo que vi en el museo, pero también la belleza de esa niña que se parecía a mí como un poderoso símbolo de esperanza, que causó una impresión duradera que todavía perdura en mi trabajo.
La pieza “For Every Sadako” es una respuesta a esa experiencia y una expresión de mi preocupación por todas las víctimas inocentes de las numerosas guerras que asolan el mundo. La obra es un ataúd del tamaño de un niño con espejos del que salen grullas de origami. El espejo pretende reflejar la imagen del espectador para incluirlo en la obra. De esa manera, es un intento de pedirles que cuestionen su posible papel en la violencia o pedirles que piensen en cómo se sentirían si su propio hijo o ser querido fuera tratado como daño colateral.
Otra pieza reciente que surgió de pensar en Hiroshima es mi pequeña instalación “Hibakujumoku” o “árboles sobrevivientes”. Es un término japonés para los árboles que sobrevivieron a la bomba atómica. Los árboles de gingko cerca del epicentro de la explosión florecieron al año siguiente de la devastación, y ese hecho realmente me asombró e inspiró. La pieza es un círculo hecho de hojas de gingko reales y hojas de gingko que hice con tripas de cerdo secas y estiradas. Pretende ser una meditación sobre el precario ciclo de pérdida y redención.
Tamiko: Me encanta esa pieza, el Hibakujumoku. El espacio negativo en el medio de la pieza también es impresionante, y recuerda el destello de luz de la bomba atómica; me recuerda que miembros de nuestra familia también sobrevivieron milagrosamente a ese bombardeo.
La repetición y la escala son características importantes de tu trabajo... 1.800 gatos de la suerte, 1.000 grullas... ¿puedes hablar un poco sobre eso?
Teruko: En lo que respecta al proceso, hacer algo una y otra vez es un acto muy relajante y meditativo para mí. Una vez que aprendo con qué forma quiero trabajar, me encanta descubrir diferentes sistemas de producción, el rompecabezas de mejorar la eficiencia y el tiempo, el ritual de ello y luego crear nuevas herramientas o técnicas: el desafío de la resistencia y el amor demostrado a través de mano de obra. Pero al hundirme en los movimientos repetitivos, con las manos ocupadas, mi mente queda libre para reflexionar, contemplar y vagar.
Estética y conceptualmente, usar múltiples es una forma de disfrutar de cuántas cosas pueden funcionar juntas para formar un todo colectivo, enfatizando la importancia de muchos sobre unos pocos. Pero al mismo tiempo, también valoro lo hecho a mano y las imperfecciones que son evidentes en las piezas hechas individualmente, solo obvias para el observador atento o para quien le gusta mirar más de cerca.
En términos de escala, creo que siempre lo considero como una relación con mi cuerpo y mi perspectiva y, a su vez, una imaginación de la experiencia del espectador. La ubicación de los elementos en mis instalaciones o el tamaño con el que hago las cosas es parte de cómo espero que la gente interactúe con el trabajo.
Tamiko: Has experimentado con muchos medios y métodos diferentes, en lugar de quedarte con uno solo. ¿Qué te ayuda a decidir el medio cuando estás creando una pieza o una serie de piezas?
Teruko: Depende de la pieza, pero he llegado a apreciar cómo los materiales tienen significado en sí mismos, y cómo ese significado puede agregar capas y profundidad a lo que estoy tratando de expresar. Por ejemplo, el gesto de hacer 1000 grullas es una acción de homenaje, de respeto, de honor, de esperanza. Ese trabajo y devoción se vuelve parte de la pieza como los cimientos de una casa o algo así.
A veces me siento atraído por una cualidad táctil o visual, y eso me lleva por una tangente exploratoria. Como cuando realmente me interesaba el concepto de velos y translucidez, lo que me llevó a las luces y las sombras, al papel de arroz, a la vitela, luego al film de dibujo, luego a la seda y sus propiedades. Y luego las tripas de cerdo (vistas en piezas como Hibakujumoku) que estiré, sequé y curé, y experimenté con sus posibilidades estructurales y escultóricas y su relación con la piel y las implicaciones de la muerte.
Tamiko: ¿En qué vas a trabajar ahora?
Teruko: Probablemente demasiadas cosas... No me faltan cosas por las que tengo curiosidad. Tiendo a trabajar en múltiples métodos y modos a la vez, yendo en espiral a todas mis pequeñas estaciones de trabajo en todo mi estudio y casa, pasando algún tiempo aquí, algún tiempo allá. Mordiscos de muchas cosas para satisfacer todas mis papilas gustativas.
Más recientemente he estado pensando en cómo el proceso de creación de un objeto o instalación puede ser una parte importante de su significado. Por eso he estado haciendo todos estos videos que documentan la acción de realizar estas obras escultóricas.
Una pieza en la que estoy trabajando para la galería DORF en Austin, TX a finales de este año trata sobre el trauma y la prevalencia de la cultura de la violación. Consiste en trozos de madera que recogí al caminar por los senderos alrededor de mi casa y que luego quemé como leña este invierno. La madera sin curar no se quemó por completo y el fuego creó estas hermosas formas que están carbonizadas en algunas áreas pero aún intactas en otras, como la corteza e incluso el musgo que todavía tiene. Me encanta cómo las cicatrices negras enfatizan los anillos de crecimiento de una manera muy cruda y la belleza de esa cicatriz. En un esfuerzo por hablar sobre la curación y el cuerpo, los videos muestran a mí puliendo, lijando y frotando la madera marcada con cera y aceite, y luego la disposición de esas piezas y cómo interactúan entre sí, apoyándose entre sí, oscureciendo las partes. , o revelar otros. Mostraré los vídeos y el arreglo final como reliquia de la acción realizada, un objeto cuya vida comenzó mucho antes de lo que finalmente se ve.
También estoy trabajando en una serie de textiles escultóricos y tapices hechos de linternas, seda y barracas de madera y papel en miniatura que canibalicé de un trabajo anterior para una exposición en Brooks Studio en Tacoma en 2023.
Tamiko: ¡Estoy muy emocionada de tenerte aquí en el noroeste del Pacífico! ¿Dónde podremos ver tu trabajo el próximo año?
Teruko: Tengo dos proyectos regionales en los que estoy trabajando ahora. El primero es para el festival Bellwether Arts en Bellevue [Washington] en agosto. Fui invitada por la artista y curadora Priscilla Dobler a responder al tema del crecimiento con énfasis en la curación. Mi artículo es sencillo sobre la representación y la presencia asiático-americana. Para Bellwether 2021 crearé Bloom, una figura de tamaño natural construida con hebras de grullas de papel de origami. Tendrá aproximadamente 6 pies de altura y una huella de 6 a 8 pies de diámetro. Las grúas se colgarán de una armadura de madera lastrada. Manos y pies de cerámica esculpidos se asomarán entre las cortinas para enfatizar la humilde humanidad de la figura envuelta en una capa. La pieza es una afirmación de la presencia asiático-americana. La tradición de plegar grullas de origami es un gesto de esperanza, fortuna y suerte. Como muchos hijos de inmigrantes, esta figura porta las aspiraciones de generaciones pasadas. Pienso en las túnicas como muchas cosas: una prenda blindada de protección, una declaración de identidad y un velo que puede oscurecer.
El segundo está en Tacoma como parte del Programa de Capacitación Comunitaria de Arte Público con la ciudad. En octubre crearé una gran instalación temporal en Wright Park que tratará sobre cómo volver a unirnos como personas y comunidad después de la división y el aislamiento de los últimos años.
Si estás en Austin en noviembre, seré parte de una exposición colectiva en el Museo Contemporáneo . La pieza trata sobre la resiliencia y la comunidad y será una instalación de entre 300 y 500 formas inspiradas en daruma hechas a mano. Se invita a los espectadores a llevarse uno de los talismanes a casa como gesto de solidaridad y determinación.
© 2021 Tamiko Nimura
