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Poniéndose al día con Tad Nakamura

El cineasta Tad Nakamura

Tuve la oportunidad de sentarme y hablar con el cineasta Tad Nakamura sobre su nuevo documental Mele Murals y su estreno en Los Ángeles, copresentado por el Centro Comunitario y Cultural Japonés Americano y Comunicaciones Visuales en el Teatro Aratani el 5 de agosto de 2016.

* * * * *

Alison De La Cruz (AD): ¿Puedes decirme cuál fue la mayor sorpresa o momento de aprendizaje para ti en el documental Mele Murals ?

Tad Nakamura (TN): Claro. Este proyecto fue la primera vez que realmente trabajé con personas dentro del movimiento actual para revivir la lengua y la cultura hawaianas. Como estudiante de Estudios Asiático-Americanos, y más tarde como parte de una comunidad asiático-americana progresista más amplia, todo lo que realmente escuchas sobre Hawai'i es que hay una lucha continua por la soberanía y eso es todo. Al trabajar con ʻŌiwi TV y otros artistas hawaianos, nunca escuché la palabra soberanía, sino que vi cómo estos trabajadores culturales siempre hablaban del movimiento lingüístico como una herramienta para conectar a los hawaianos entre sí. Vi cómo el concepto detrás de la organización cultural era construir la comunidad de una manera que afirmara: vamos a cuidar de nosotros mismos y a construirnos a nosotros mismos.


AD: Eso es muy interesante porque muchos de los que han visto tu trabajo anterior o te conocen, podrían verte como un artista politizado o un trabajador cultural. ¿Este proyecto cambió tu comprensión de quién eres como artista que documenta individuos y comunidades?

TN: No creo que necesariamente haya cambiado mi comprensión, pero profundizó mi comprensión de la gente de los movimientos culturales. Ya sabes, la palabra sexy para describir lo que hacemos es trabajador cultural y creo que ahí es donde nos sentamos. Siempre me he identificado como un constructor de comunidades y en un momento fui organizador, pero últimamente soy más un artista. Este proyecto solidificó lo que es un trabajador cultural para mí y el papel que desempeñan los trabajadores culturales en los movimientos más amplios por el cambio. Siempre me he visto como un constructor de comunidades. Por eso las proyecciones son tan importantes como la película. Las proyecciones reúnen a personas de diferentes comunidades y crean un tiempo y espacio para poder conocerse. Seguro que es bueno construir un espacio político y cultural junto con la gente cuando estamos enojados y queremos un cambio. Pero mientras hacía este documental, recordé que también podemos conectarnos mientras pasamos el rato y disfrutamos como una forma de construir espacio entre nosotros.


ANUNCIO: Al ver este trabajo cultural entre los nativos hawaianos, ¿afectó esto su forma de pensar sobre la comunidad japonesa americana?

TD: Siempre he pensado en mi comunidad JA y la amenaza y lo que está pasando en Little Tokyo. Luego fui a Hawai'i y conocí a los chicos de 'Oiwi TV y vi cómo ubican su trabajo en un contexto cultural más amplio: son responsables de documentar la cultura de toda su gente. Se consideran responsables de conservar una lengua; y no sólo proteger un barrio como Little Tokyo; sino la tierra misma y todo su pueblo. Me dejó alucinado: sabía lo que era rendir cuentas ante una comunidad, pero aquí está, a una escala mucho mayor. Ser responsable de ayudar a conservar las historias de todo un pueblo y la cultura de todo un pueblo para que sobreviva, eso es enorme. Una vez más, me sorprendió la amenaza inmediata que representaba la posibilidad de que la cultura y el idioma hawaianos desaparecieran. Pero vi lo cerca que están estos artistas de ese pasado y lo vital que es su papel en el futuro.

Como cineasta japonés-estadounidense en el contexto de Hawai'i, definitivamente tuve que pensar en el tipo de responsabilidad que tengo para reconocer mi privilegio y apoyar a aquellos que han sido oprimidos o silenciados. Al trabajar en este documental, también me di cuenta de que la comunidad JA puede aprender mucho sobre el idioma y el renacimiento cultural de los hawaianos. Por ejemplo, para mí como Yonsei: a mis abuelos los pusieron en un campamento para que no hablaran japonés, y mis padres tampoco. Es fácil decir que no crecí con el idioma, soy la cuarta generación, no hay manera de que pueda aprender el idioma.

Luego conocí a todas estas personas que trabajan en la comunidad hawaiana; ninguno de sus padres habla el idioma; son literalmente 2 o 3 generaciones sin idioma y, sin embargo, la gente se está encargando de recuperar ese idioma. Nunca había pensado en ello ni lo había visto (un lenguaje que estaba casi enterrado y muerto) y ahora verlo revivido. Ver a niños de escuela primaria hablando hawaiano me hizo pensar en mis propios sobrinos y sobrinas y en cómo tal vez algún día podrían hablar japonés con fluidez. Ahora que lo he presenciado en otra comunidad, puedo visualizarlo en mi propia comunidad.

ANUNCIO: Hemos dedicado algún tiempo a hablar sobre las formas en que su película Mele Murals lo conectó con un contexto cultural nativo hawaiano. Lo que me encanta de la película es que al seguir a los artistas Estria (en la foto de la derecha) y Prime (en la foto de abajo) podemos ver cómo el hip-hop les habla a ellos y a través de ellos. ¿Puedes hablar sobre algún descubrimiento que hayas hecho en las interacciones entre las culturas hawaiana y hip-hop durante este proyecto?

TN: La interacción más interesante es que el elemento hip-hop de la película lleva a la gente al cine, así que ahora que tenemos su atención, profundicemos. No estoy seguro de cuántas personas considerarán esta película hip-hop. Tengo curiosidad por saber qué resonará en la gente. A medida que la proyectamos en todo el país, empiezo a notar que la película definitivamente resuena con una generación anterior de directores y escritores de hip-hop. No estoy seguro de que la película tenga esa cultura o vibra de “vete a la mierda” que suelen tener los escritores más jóvenes.

AD: Sé que algunas de tus películas anteriores también están influenciadas por el hip-hop. ¿Me puede decir más sobre eso?

TN: Para mí, como alguien que creció como parte de la generación hip-hop, es casi algo que doy por sentado. Eso demuestra el impacto que ha tenido el hip-hop en mí. Depende del debate cuánto poder tiene el hip-hop en esta generación actual, pero nuestra generación fue/está definitivamente impactada. El hip-hop fue mi entrada al arte y al mundo creativo; incluso como hijo de un cineasta; crear arte no habría sido tan atractivo si no hubiera estado expuesto al hip-hop.


AD: Creo que nuestra generación tiene mucho que decir sobre cómo ha cambiado el hip-hop desde que éramos niños.

TN: Por mucho que se haya comercializado el hip-hop, todavía hay mucho potencial en sus cimientos (liberación, resistencia y cultura juvenil); esos siempre estarán ahí. Incluso con lo descolorido que está en el hip-hop convencional, estos niños hawaianos que pintan una pared con aerosol (a pesar de que es de la vieja escuela) es un tipo específico de empoderamiento que es estrictamente hip-hop. Es ese sabor de liberación no sólo contra sistemas y estados sino también contra tus padres y tus maestros. Es un movimiento juvenil. El hip-hop todavía tiene esos elementos fundamentales.


ANUNCIO: Hablamos anteriormente sobre las formas en que usted, como japonés americano, está navegando por su lugar dentro de un contexto nativo hawaiano. Cuando pienso en las conversaciones que usted y yo hemos tenido sobre esto, se relaciona con conversaciones que nosotros, como asiático-americanos e isleños del Pacífico, podemos tener sobre nuestras relaciones con la cultura hip-hop. ¿Nos estamos apropiando? ¿Innovando? ¿Participar en la cultura hip-hop y sus raíces?

TN: Para mí, mis modelos de activismo y empoderamiento estadounidense tienen sus raíces en la cultura afroamericana y negra. Los movimientos de liberación han estado sucediendo en todo el mundo durante años, pero los métodos de organización y trabajo cultural que me moldearon personalmente provienen del movimiento del poder negro. Si algunas personas consideran esa apropiación, entonces no tengo ningún problema en confesarlo y estoy abierto a que me controlen. Definitivamente estoy interesado en descubrir cómo hacer que todo mi trabajo basado en el hip hop sea más participación que apropiación. Al igual que el jazz (hay que pagar cuotas a la cultura y la música negras), todavía me inspira y elegí ser parte de ello y contribuir.

Uno de los temas de esta película son nuevas formas de enseñar a los viejos. Creo que ofrece a todos los públicos formas de considerar: ¿Qué aspectos de nuestras culturas o de nosotros mismos debemos conservar? ¿Qué aspectos estamos dispuestos a cambiar? ¿Nuestra lucha es con la forma o con el propósito?

No es ni lo uno ni lo otro: el objetivo es encontrar nuevas formas de continuar con lo tradicional. Creo que depende de las personas DENTRO de sus diferentes culturas descubrir qué necesita evolucionar, si es que hay algo.

*Este artículo fue publicado originalmente por el Centro Comunitario y Cultural Japonés Americano el 29 de julio y el 4 de agosto de 2016.

© 2016 Alison De La Cruz

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Acerca del Autor

Alison M. De La Cruz es una artista teatral multidisciplinaria, facilitadora, productora y creadora de espacios culturales que vive en Los Ángeles, CA. El trabajo escénico original de De La Cruz se ha presentado en lugares de todo el país, incluidos: Highways Performance Space en Santa Mónica, CA; Asian Arts Initiative en Filadelfia, PA y el Museo Smithsonian de Historia Estadounidense en Washington, DC. Su trabajo escrito se ha incluido en antologías como: Completely Mixed Up: Mixed Heritage Asian North American Writing and Arts (Rabbit Fool Press 2015); Coming Home to a Landscape (Calyx Books, 2003) y In our blood: Filipina/o Spoken Word and Poetry From Los Angeles (LA ENKANTO Collective, 2000). De La Cruz es el Director de Artes Escénicas y Participación Comunitaria en el Centro Comunitario y Cultural Japonés Americano.

Actualizado en septiembre de 2016

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