La artista Laura Kina es una de los dos artistas que aparecen en la nueva exposición, Sugar/Islands: Finding Okinawa in Hawai'i—The Art of Laura Kina and Emily Hanako Momohara .
Sugar/Islands explora la historia y la identidad de la familia japonés-estadounidense a través del arte visual. La contribución de Kina a la muestra incluye una serie de impactantes pinturas fantasmales inspiradas en trabajadoras inmigrantes de Okinawa.
Discover Nikkei tuvo la oportunidad de involucrar a Kina en una breve conversación sobre su trabajo.
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DN (Discover Nikkei): Leí que tiendes a abordar tu trabajo primero con el objetivo principal de crear una buena pintura, y que los aspectos sociopolíticos están presentes pero suelen ser más sutiles, en forma de texturas y sentimientos. ¿Puedes explicar un poco esas texturas y sentimientos? ¿En qué sentimientos y en qué sentimientos pensabas al crear estas hermosas pero inquietantes imágenes?
LK (Laura Kina): Lo sociopolítico está en el centro de mi trabajo. Se trata de obras sobre la historia de las mujeres, sobre el trabajo y la migración, sobre la Segunda Guerra Mundial, sobre ser Uchinanchu (parte de la diáspora de Okinawa) y sobre las conexiones transnacionales entre Hawai'i y Okinawa. Ese contenido me importa muchísimo. Cuando empiezo a trabajar en una serie, la inspiración inicial a menudo proviene de una emoción o un fuerte impulso que luego puede llevar años de investigación, pero luego, cuando finalmente estoy en el estudio haciendo el trabajo, lo que realmente importa es el afecto y responder a la fisicalidad de la pintura. No me interesan meras ilustraciones de la historia ni decirle a la gente de forma didáctica cuáles son mis políticas. Quiero reanimar el pasado, sentirlo, para que tenga importancia en nuestro momento presente.
Mi uso del color azul en la serie Sugar (y las obras relacionadas en mi exposición Blue Hawai'i ) se inspiró en los kimonos kasuri teñidos de índigo que los inmigrantes Issei (primera generación) “novias pictóricas” reutilizaron para convertirlos en ropa de trabajo del campo de caña. Me fascinó cómo su ropa de trabajo mezclaba ahina (mezclilla) y un mosaico de kimonos viejos y también algodón reciclado de bolsas de arroz. La ropa me recordó a las colchas boro japonesas, una forma de colcha de retazos que he usado en mis trabajos anteriores de Devon Avenue Sampler sobre la hibridación de vivir en una comunidad judía y del sur de Asia en Chicago. Para Sugar , también me atrajo aprender más sobre los atrevidos hajichi geométricos de color azul índigo (tatuajes de Okinawa) que la generación Issei tenía en el dorso de sus manos. El azul también simboliza lo fantasmal y un sentimiento de melancolía, que son temas que atraviesan la obra.
Además de una curiosidad por el hajichi y la ropa de trabajo de las plantaciones de azúcar, la serie Sugar comenzó a partir de un sentimiento de melancolía que reconocí hace cinco años justo cuando estaba alcanzando todos los sueños socioeconómicos que mis bisabuelos habían esperado cuando emigraron de Okinawa. a Hawai'i a principios del siglo XX. Soy profesor universitario, estoy casado con un hombre judío blanco (¡aunque dudo que tuvieran eso en mente!) y tenemos una hija de 10 años y Mitch, mi esposo, tiene una hija de 20 años. que es mestizo mexicano-americano. Tenemos dos perros, una casa y dos coches. Así que tengo esta vida profesional urbana de clase media y, sin embargo, a pesar de todo esto, he sentido una enorme sensación de pérdida por “lograrlo” y asimilarme a la blancura (o casi a la blancura). En este nuevo espacio también hubo un enorme vacío y múltiples borrados. No hablo Uchinaguchi, japonés ni siquiera inglés pidgin. Nadie habló de la Segunda Guerra Mundial y la Batalla de Okinawa ni de cómo eso afectó nuestras vidas. El mundo de las plantaciones de azúcar en Hawai'i en el que creció mi padre ya no existe y los artefactos y las historias de este período estaban ausentes de mi vida o no estaban en ningún orden que tuviera sentido para mí. Fue como si esta ola gigante me empujara hacia una idea de éxito y asimilación a la cultura dominante y nunca me detuviera a mirar o cuestionar las fuerzas que estaban generando la ola en primer lugar. Comencé a cuestionar el costo que el “mito de la minoría modelo” ha tenido en mi vida.
"¿Qué vas a?" suele ser la primera pregunta que recibo. Como persona mestiza, mi identidad siempre ha sido algo sobre lo que la gente me pregunta, me recuerda o me interroga. Cuando era niño decía: "Mitad japonés, 1/4 español-vasco y 1/4 francés, inglés, irlandés, escocés y holandés". Por mi forma de ver, la gente asume que soy latina y esto simplemente no se concilia con lo que la gente piensa que debería ser una persona “asiática”. Además, los habitantes de Okinawa no se parecen a lo que la gente en Estados Unidos cree que deberían ser los “japoneses”. Así que siempre he tenido este sentimiento de no ser auténticamente asiático en general y específicamente como un japonés-estadounidense fracasado. Crecí con el lado de la familia de mi madre, pero a pesar de que la madre de mi padre vivió con nosotros mientras yo crecía, necesitaba conectarme con mi cultura de Okinawa o la comunidad y familia de mi padre en Hawai'i y Okinawa más allá de solo comer spam musubi. y reuniones familiares ocasionales. Esto era algo que necesitaba reconciliar a nivel personal y luego, a través de eso, comencé a comprender algunas historias de colonización mucho más amplias que han impactado nuestras vidas y que estos vacíos y "fracasos" eran en realidad bastante importantes.
DN: Mencionaste obake (historias de fantasmas hawaianas) como una de tus influencias. ¿Puedes comentar un poco cómo te familiarizaste con obake y cómo te resonó?
LK: No sabía nada sobre obake cuando era niño, o al menos no usé ese término. Crecí en una fe cristiana evangélica en la iglesia de mis padres (desde entonces me convertí al judaísmo) y siempre hubo una comprensión de que el mundo espiritual estaba presente en todo momento: el Espíritu Santo, Jesús, Dios, pero también los espíritus malignos. demonios y demás. Llegué a imaginar estas batallas espirituales épicas girando a nuestro alrededor en un plano paralelo a medida que avanzamos en nuestra vida diaria. También vivíamos en un bosque en el noroeste del Pacífico (fuera del área de Seattle) y hay una sensación completamente diferente, cuando estás literalmente inmerso en la naturaleza, de un reino espiritual que parece tan real, tan físico. Recuerdo que tanto mi padre como mi abuela Kina me dijeron que en su plantación de caña de azúcar en Pi'ihonua solía haber un antiguo cementerio cerca del Campo 5 y que por la noche a veces se podían ver hinotamas (bolas de fuego) disparadas desde las tumbas. Mi papá vio una bola de fuego naranja dispararse desde el cementerio una vez y elevarse en el aire a través de los campos. Este fue un fenómeno natural que ocurre debido a la acumulación de gases dentro de la tumba. ¡Por supuesto que cuando era niño, pensaba que se trataba de un espíritu o un fantasma! Esa idea de las huellas de nuestros antepasados fue, sin juego de palabras, la chispa que me impulsó a emprender este viaje. Regresé a Pi'ihonua con mi papá para hablar con los mayores de la comunidad sobre las historias de fantasmas que escuchaban cuando eran niños.
Al iniciar el proyecto Sugar tenía dos grandes conceptos erróneos: (1) que las novias fotográficas japonesas y de Okinawa eran víctimas pasivas de la historia; y (2) que los habitantes de Okinawa en Hawai tendrían historias de obake de terror al estilo japonés (tengo que admitir que había leído demasiadas historias de obake y “piel de pollo” de Glen Grant).
Lo que descubrí fue que las mujeres Issei, según las historias de Nisei y Sansei, eran duras y tenían mucha más agencia de lo que esperaba. ¡Incluso surgieron historias de que mi bisabuela era contrabandista! También me sorprendió saber cuántas mujeres Nisei fueron a la universidad en el continente y luego regresaron para dedicarse a profesiones como la enseñanza. Si bien algunas de las historias de fantasmas que me contaron los mayores eran en realidad fantasmas aterradores como Kimotori, el tomador de hígado que se comería tu hígado si tardabas demasiado en cruzar este puente por el que los niños tenían que cruzar hacia y desde la escuela ( esto fue realmente una estratagema para hacer que los niños volvieran a casa rápidamente); la mayoría de las historias no trataban de fantasmas que daban miedo, sino que estaban entrelazadas con la mitología nativa hawaiana que enfatizaba el respeto por los muertos y saber qué era kapu , o prohibido. “Aunque no creas, lo mejor es mostrar respeto”, me dijeron. Más importante aún, durante los cinco años de mi investigación y todos mis momentos inspirados al pintar, las obras de Sugar ocurrieron en el mes de julio/agosto. No creo que sea una coincidencia que esto también suceda cuando Obon suceda (¡excepto que también es cuando no estoy enseñando!).
En el primer grupo de pinturas de Sugar que hice en 2010, que estaban en una pequeña exposición individual en Women Made Gallery en Chicago, estaba pensando en obake en mi cabeza de una manera intelectual, simplemente procesando las historias que había recopilado de Hawai. Yo y mirando fotografías antiguas. Luego, en el verano de 2011, comencé a trabajar en la pintura de Issei , que pensé que era mi bisabuela Makato Maehira (la madre de mi abuela) y esa pintura se sentía más como si se pintara a sí misma para cobrar existencia. Tenía una fuerte sensación de que mis antepasados se presentaban ante mí; Después de todo, era Obon. Luego, en julio de 2012, llevé fotografías impresas de esta pintura a mi familia extendida como omiyage (regalos) en Okinawa. Fue mi primer viaje de regreso en más de una década. Los familiares en Okinawa reconocieron instantáneamente la imagen no como la de mi bisabuela sino como mi tatarabuela, que era el mismo nombre de mi bisabuela. Había sido asesinada durante la Batalla de Okinawa, junto con otros tres familiares, y su cuerpo nunca fue encontrado. El primo segundo de mi padre, Hideo, y su esposa Reiko, me llevaron al butsudan familiar (santuario familiar budista) del hijo número uno de la familia Maehira, donde se encuentra su foto. Esa fue una experiencia increíble.
Luego, a partir de ahí, comencé a conocer a toda nuestra familia extendida en Okinawa y desde entonces he regresado varias veces, incluido un viaje con mi papá, que generó la inspiración para el resto de las series de obras de Sugar y Blue Hawai'i . Ahora incluso dirijo viajes de estudios en el extranjero a Okinawa a través de la Universidad DePaul. Fuimos en 2013 y estamos planeando un viaje nuevamente para diciembre de 2015. Esa pintura de Issei fue realmente la clave no solo para abrir el pasado para finalmente hablar sobre algunos traumas muy grandes sin resolver que continúan impactando nuestras vidas, sino también para comenzar relaciones con mi familia extendida en Okinawa en el presente.
DN: ¿En qué estás trabajando ahora?
LK: ¡Demasiado! Este verano estoy terminando de coeditar un volumen de varios autores, Que(e)rying Contemporary Asian American Art , con el historiador y curador de arte Jan Christian Bernabe. Nuestro libro debería publicarse en 2016 en la University of Washington Press. Además de nuestra introducción conjunta y ensayos escritos por ambos individualmente, Que(e)rying presenta seis ensayos de autores invitados y 17 entrevistas con artistas destacados que se centran en la práctica, la historia y la crítica del arte asiático-estadounidense contemporáneo. El título juega con el acto de alejarse de los centros “normativos” a través de la lente de “que(e)rying”, un marco tomado de la teoría queer que pone de relieve las diferencias asiático-estadounidenses y su ubicación dentro de las prácticas y experiencias artísticas de nuestro tiempo. momento contemporáneo y globalizado. Al salir de mi último proyecto de libro, War Baby/Love Child: Mixed Race Asian American Art (University of Washington Press, 2013), quería centrarme más en cómo el género y la sexualidad se cruzan con las cuestiones raciales. Vuelvo nuevamente para pensar en cuestiones de fracaso y las posibilidades creativas en vidas y cuerpos que no encajan en nociones de normatividad.
También estoy terminando de ilustrar un libro para niños escrito por Lee A. Tonouchi, también conocido como “Da Pidgin Guerilla” (¡Lee escribe en inglés Pidgin!). El libro se llama La princesa de Okinawa y está ambientado en Hawai'i en la década de 1980 (la infancia de Lee y también una excusa para incluir salmonetes y la cultura pop de los 80), la era de las plantaciones de Hawai'i y en los días del antiguo Reino Ryukyu. Se trata de la historia de los tatuajes hajichi . Va a ser increíble. Lee y yo estábamos trabajando en esto en diciembre de 2014 en Hawai'i y necesito regresar para terminar ese trabajo.
Finalmente, estoy haciendo un trabajo completamente nuevo para una exposición individual, Uchinanchu , que está programada del 27 de febrero al 23 de abril de 2016 en la Galería de Arte de la Universidad Kellogg de Cal Poly Pomona. Esta muestra presentará construcciones/pinturas basadas en textiles sobre la identidad de la diáspora de Okinawa. Estoy tomando los temas transnacionales de nuestra exposición Sugar/Islands de mirar a Hawai'i y Okinawa, pero estos nuevos trabajos están ambientados en el momento presente, incluyen contenido sobre mi vida en Chicago y mi infancia en el noroeste del Pacífico, y se basarán más más en contar historias a través de materiales, simbolismos, yuxtaposiciones y superposiciones que en historias orales, narrativas específicas y obras basadas en fotografías de mi serie Sugar .
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Sugar/Islands: Finding Okinawa in Hawai'i se exhibirá del 11 de julio al 6 de septiembre de 2015 en el Museo Nacional Japonés Americano de Los Ángeles.
© 2015 Japanese American National Museum
