¿Puedes describir tu trabajo como diseñador? ¿Hay aspectos particulares de tu diseño que puedan identificarte como Nikkei?
Mis diseños de ropa surgen de los conceptos que exploro en mi práctica artística. Utilizo los mismos motivos representativos de mi obra de arte en mis diseños de ropa.
Por ejemplo, en mi serie “Hive” utilizo la imagen de una celda en forma de panal para representar el trabajo, el trabajo y la creación de la clase trabajadora. Hago un cordón de papel con panales, como una pantalla o barrera etérea, y un vestido de papel momigami con una imagen de humo dorado elevándose de una grieta oscura o salpicaduras de oro a través de las costuras del panal. En mi trabajo de diseño de ropa, tomo el mismo motivo de panal y lo aplico a la ropa diseñada original como una serigrafía o un aplique cosido.
En un ejemplo más actual, para una próxima colección, coso una cicatriz dorada en la parte posterior de un vestido como motivo kintsuji . La idea detrás de esta nueva colección es curar las heridas de la guerra y la violencia. Creé este motivo para honrar nuestra humanidad y superar las historias con compasión, y para renovarnos desde la oscuridad tallada y aprendida con océanos de corazón profundos y radiantes.
Las historias detrás de mis diseños se relacionan con cuestiones de identidad y con mi herencia japonesa.
¿Qué papel ha jugado tu identidad étnica en tu evolución como artista? ¿Es japonés/canadiense o viceversa?
Ser japonés-canadiense es intrínseco al trabajo que hago porque las cuestiones de identidad son lo que utilizo en mi práctica y la conexión con mi herencia está referenciada en los materiales y procesos que elijo.
¿Puedes decirnos un poco más sobre las conexiones japonesas y canadienses?
Me atrae trabajar con algunos materiales y procesos japoneses preindustriales, por ejemplo: papel washi , bambú, teñir con índigo y carbón, patchwork de boro o usar konnyaku para dimensionar papel. Sin embargo, también utilizo métodos y materiales contemporáneos que también he aprendido: costura a máquina industrial, serigrafía contemporánea, trabajos de alambre en sombrerería, materiales plásticos para estructuras, etc.
Integro materiales y métodos tanto contemporáneos como tradicionales en mi práctica artística.
¿Cómo han afectado las cuestiones del racismo (por ejemplo, las mujeres aborígenes) su propia vida y su arte?
Los canadienses se sienten tan incómodos con el racismo que no están dispuestos a discutirlo porque desafía ideas construidas sobre la identidad nacional, como el mantenimiento de la paz y la tolerancia.
Ideas como el multiculturalismo y el pluralismo han penetrado la noción de identidad social canadiense y, por lo tanto, el concepto de racismo se percibe como extranjero o "no canadiense".
Al ser un canadiense no indígena y racializado, crecí en un entorno social que negaba y, por lo tanto, silenciaba las experiencias racializadas. Cuando falta reconocimiento o palabras para identificar lo que realmente se está viviendo, estas experiencias racializadas se acumulan y se interiorizan. Interiorizar el racismo me llevó a querer desconectarme de quién soy, mi familia, mi comunidad, como si pudiera alienar las partes de mí que eran percibidas como “no blancas”, para que de alguna manera fuera vista, escuchada, incluida, y valorados por igual. Esta no es una experiencia única para las personas racializadas y, sin embargo, el racismo como fenómeno social es algo que los canadienses niegan.
¿Alguna experiencia personal de racismo/intolerancia que puedas compartir?
No hay ningún incidente que destaque. Si es así, es sólo porque es posible que haya comenzado a tomar conciencia de lo que estaba experimentando. Y el racismo personalizado es donde comenzó mi conciencia, pero no es ahí donde está la inequidad social. Pero esas experiencias personales son el resultado de la inequidad.
Este país está fundado sobre los principios del racismo. Desde actos de genocidio hasta racismo legislado hacia los pueblos indígenas, así como racismo legislado hacia otros grupos racializados, estos actos son los pilares de nuestra nación y tienen un efecto causal significativo de por qué y cómo estamos aquí hoy.
¿Cuál es el resultado de esto entonces?
Ya no vivimos en una era en la que el racismo parece odio. La opresión racial es institucional y está entretejida en nuestra estructura y percepciones sociales, ya que se cruza con otras cuestiones como la pobreza, el género y el “shadismo”.
Ser dueño de la propia herencia, apoyarse en la historia familiar, conectarse con el linaje y comprenderse a uno mismo dentro de un contexto histórico puede ser un acto personal que cura, fundamenta y reclama. Pero cuando los canadienses puedan dialogar y apropiarse de los problemas del racismo institucionalizado, creo que será entonces cuando podrá comenzar una progresión honesta hacia la equidad social.
¿Expresas de alguna manera estas ideas a través de tus diseños?
Mi práctica artística se ocupa principalmente de cuestiones de inequidad en relación con la identidad. Por ejemplo, una de mis esculturas de papel Hive puede parecer un frágil encaje en forma de panal. Inicialmente, la pieza tenía una fuente de luz centrada en el interior que emanaba hacia el exterior a través de la pantalla de encaje de papel que proyectaba sombras. Los hexágonos del espacio negativo de los recortes se ensamblan en el suelo directamente debajo de la pieza como una zona de impacto de “zona cero” que se extiende hacia afuera. A lo largo de esta serie, utilizo un contraste de colores y texturas para contar la historia de una luz interior que transgrede las barreras de la sociedad y el trabajo creando impacto.
¿Cómo informas/nutris tu “nikkeismo”? ¿En qué se diferencia esto de los nikkei que tienen una conexión más distante con Japón, por ejemplo, la comunidad JC anterior a la Segunda Guerra Mundial?
Miro a mi linaje familiar como artesanos para informar mi “Nikkeiness”. Me baso en historias familiares sobre cómo sobrevivimos y prosperamos en tiempos desesperados. Alcanzo la ética del “ shokunin ”, la honestidad de los materiales, la filosofía y el respeto budistas y las enseñanzas del mundo natural. Conocí esta visión del mundo y estas formas de conectarme a través de mi madre, mis tíos y mis mayores, y sigo aprendiendo a lo largo de mi vida.
¿Puedes explicar cómo la filosofía del “ shokunin ” afecta tu forma de abordar tu trabajo de manera diferente a la de otros diseñadores?
Mi práctica artesanal me conecta a través del linaje con mis ancestros. Mientras hago, pienso en cómo mis manos creadoras me conectan a través de la división del océano más allá de la tierra y el tiempo.
Trabajo para perfeccionar mi práctica: ser abierto y adaptable a enfoques relevantes y perspectivas alternativas, para volverme más intuitivo de lo que era. A lo largo de los años, sigo utilizando materiales, métodos y herramientas de aquellos de quienes he aprendido a lo largo de diversos oficios, e integro enfoques a medida que sigo perfeccionando mi oficio. Para crear una práctica que sea holística en su filosofía, es cuando el acto de hacer se convierte en una declaración de la propia vida, supongo, un poco constante.
¿Otros artistas nikkei y/o japoneses te han influido en algo?
En mi juventud, me inspiré en la historia de Yumi Eto. Ella era la única diseñadora de moda canadiense japonesa de la que había oído hablar y que creaba un trabajo hermoso. Su conexión con el paisaje de la costa oeste fue algo con lo que también me sentí profundamente conectado mientras crecía. Cuando era joven, ella me parecía tangible pero hacía cosas aparentemente intangibles, por lo que fue un ejemplo para mí de que mis sueños eran posibles.
¿Puedes contarnos un poco más sobre Yumi Eto? ¿Puedes describir sus diseños? ¿Sigue trabajando?
Su trabajo tenía fuertes influencias personalizadas, pero yuxtapuestas con formas y texturas suaves y orgánicas. No he seguido su progresión desde finales de los 90, pero creo que pasó a trabajar como directora para Aritzia en Vancouver.
¿Ser artista te da alguna libertad particular para explorar quién y qué eres? ¿Hay todavía áreas de particular interés que desee explorar, por ejemplo, la cultura japonesa?
Tengo una responsabilidad como artista practicante porque a través de mi trabajo tengo una plataforma para comunicarme con una audiencia, explorar ideas, materiales y experiencias acumulativas. Así es como me comunico con los demás a través de colaboraciones y me conecto con la comunidad.
Siempre quise aprender Kendo.
¿Cuál es la importancia de tener una comunidad de artistas Nikkei para avanzar en el conocimiento de nosotros mismos?
Los artistas son clave para comunicar identidad, experiencias vividas e historias compartidas en cualquier comunidad. Los artistas pueden verse influenciados por los patrones y cambios sociales, y pueden reflejar esto en la comunidad a través de su trabajo.
A medida que cada generación sucesiva se desconecta cada vez más de la herencia ancestral, las celebraciones culturales pueden resultar impotentes sin una comprensión contextual de esta desconexión. Los artistas de nuestra comunidad pueden profundizar en sus experiencias, explorar preguntas y traducir lo desconocido a través de su creación artística. Estas exploraciones pueden darnos una idea de nuestras propias exploraciones o incitar a nuestras propias investigaciones sobre quiénes somos y por qué, y cómo nosotros, como comunidad, impactamos a la sociedad dentro del panorama canadiense más amplio.
Finalmente, ¿qué te espera en el futuro?
Actualmente estoy trabajando en una nueva colección como mencioné anteriormente. Incluirá nuevos motivos como kintsuji , parches tejidos con papel japonés e hilos de lino y costuras boro . También incorporaré algo de teñido a mano en el patio trasero en índigo y sumi o carbón en esta serie, así que estoy deseando que llegue este verano.
© 2015 Norm Ibuki
