Exposición de arte "Regeneración" en Kaslo, BC

Fecha: 24 de julio de 2015 – 4 de octubre de 2015

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La exposición Regeneration evoca un diseño y una estética minimalistas –como un jardín de contemplación al estilo japonés– con sus composiciones estrechamente delimitadas de grava y rocas y vegetación escasa. Los artistas que participan: Tsuneko Kokubo y Toru Fujibayashi son artistas veteranos con una trayectoria extensa, fascinante y variada. Ambos artistas experimentaron diversos aspectos de la política de internamiento de ciudadanos canadienses japoneses en Canadá durante la Segunda Guerra Mundial, un acontecimiento que influyó profundamente en sus vidas. Al mismo tiempo, hay una sensación de cansancio que acompaña a esta asociación. Es importante dar contexto a la historia, pero no colgar un cartel definitivo o simplista alrededor de la exposición o los artistas participantes. Poner demasiado énfasis en la etnicidad o culpar/atribuir toda la influencia a un etnocentrismo tan flagrante y atroz, resta valor a la individualidad de los propios artistas y, por supuesto, a su obra. El tema del internamiento es una presencia omnipresente y, sin embargo, a menudo no deseada, y ambos artistas reconocen y/o ignoran esta influencia de maneras interesantes. La regeneración, en su raíz, tiene que ver con la memoria: lo que se retiene y cómo se manifiesta en el mundo. Las piezas figurativas e impresionistas de Koko, fragmentos de poemas escritos a gran escala, tienen una cualidad de memoria borrosa. Son delicadas y dramáticas. Ella se ha fundido con el pasado y en la superficie de cada pieza. Ella es el barco pesquero abandonado en el río Fraser; la niña con kimono que agarra la muñeca; ella es el pez que brilla en el agua. La fluidez de la forma y la disparidad onírica connotan tanto influencias tradicionales como una evocación altamente personalizada de eventos cotidianos y excepcionales. Alissa J. Rubin aborda algo similar en su artículo “El horror es una constante, como los artistas representan la guerra” (The New York Times, 28 de agosto de 2014). El vocabulario de la guerra, ya sean imágenes o palabras, debe ser reimaginado por cada nueva generación de artistas en su intento de representar las consecuencias del conflicto... los artistas de hoy no están solos... [l]us predecesores les han dado una manera de ver y transformar, incluso los momentos más nihilistas de la historia en algo con significado”. Koko, como Francisco de Goya, Kitaoka Fumio y Fiona Banner, crea una respuesta visual, emocional e intelectual a cuestiones sociales demasiado vastas y complicadas para abordarlas de otras maneras. La creación de belleza a partir del caos es una respuesta al conflicto y una que Koko ha coreografiado a través de múltiples medios a lo largo de una vida de reimaginar la realidad. La obra de Toru es tan concreta y elemental como puede serlo la escultura de piedra. No suave, por supuesto, sino muy pulida y suave, afectando/efectuando flujo o florecimiento, ruptura y erupción con una fisicalidad sutil pero fuerte en tonos enrojecidos de negro, blanco y gris por todas partes. Hay una dignidad tranquila en estas obras; Las esculturas tienen un gran peso (literal y figurativamente), pero con sensibilidad. Estamos acostumbrados a que la escultura sea conmemorativa, simbólica, representativa, decorativa, pero estamos menos familiarizados con ver la escultura como un ejercicio de aceptación y adoración de la forma. La obra de Toru exuda ese tipo de autodeterminación simbiótica que Miguel Ángel describió cuando dijo: "Cada bloque de piedra tiene una estatua dentro y es tarea del escultor descubrirla". En la tradición de: Eric Gill, Henri Gaudier-Brzeska, Ben Nicholson, Barbara Hepworth, Constantin Brancusi, Henry Moore e Isamu Noguchi, la obra de Toru evoca esa misma "rectitud de forma", esa sensación fascinante que uno tiene cuando ve una obra de arte que parece (de alguna manera) exactamente como debería ser. Esto es lo que sucede cuando los artistas encuentran su medio y están tan en sintonía con la aplicación de su arte que “aprovechan algo llamado “memoria no declarativa” o “memoria procedimental”: un recuerdo de habilidades motoras y tareas que se han aprendido y retenido casi automáticamente, como andar en bicicleta” (Exploring the Link Between Art and Memory, por Michael Anft, Johns Hopkins Magazine, 30 de noviembre de 2011). La sencilla elegancia de estas obras se debe a este tipo de creación orgánica; una fuente de observación artística combinada con una práctica aprendida a lo largo de toda la vida. La regeneración, en esencia, es una forma de ver; un estudio de la memoria y las motivaciones y métodos con los que podemos comprender las vidas vividas. Como nos dice el título, estas obras tratan sobre la vida y la muerte, pero también nos dan una idea de lo que sucede entre ambas. Arin Fay, curadora (2015)

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